A continuación, les presento una parte de la bibliografía que, ya en formato físico o en pdf, he venido seleccionando para mi biblioteca de consulta personal, y la cual, recomiendo ampliamente para el amante o practicante de la pintura figurativa tradicional.
William Bouguereau: The Essential Works
de Kara Lysandra Ross y Frederick C. Ross
2018
Presenta la obra de un artista realista cuyo trabajo está experimentando un resurgimiento.
Explora la obra de Bouguereau con mayor profundidad, ofreciendo una visión experta de sus pinturas más importantes.
William Bouguereau, el artista más popular de la Francia del siglo XIX, se está convirtiendo rápidamente en uno de los artistas realistas más reconocidos de todos los tiempos. Este libro explora los cuatro tipos principales de pintura que predominaron en la obra de Bouguereau: sus obras mitológicas, religiosas, campesinas y retratos. La sección final sobre retratos se centra en las pinturas de cabezas y manos, que le brindaron al artista la oportunidad de concentrarse en las sutilezas de la captura de la emoción humana, algo en lo que Bouguereau fue un maestro consumado y que constituye un factor fundamental que hace que sus obras, en general, sean tan cautivadoras.
Si bien cada sección del libro analiza la importancia de los distintos géneros dentro de la obra de Bouguereau e incluye análisis de pinturas para destacar sus obras más importantes, este libro es una verdadera muestra de la trayectoria artística del maestro a través de magníficas láminas a página completa de más de 120 de sus mayores obras maestras.
L'Art pompier - Les feux de l'académisme
Guillaume Morel, 2016
El arte académico (finales del siglo XIX), a veces llamado «arte pomperiano», está experimentando un resurgimiento, en gran parte debido a la apropiación de su estética por parte de Hollywood.
La Academia Francesa de Bellas Artes se fundó durante el reinado de Luis XIV. Con el paso del tiempo, la formación se mantiene: los estudiantes aprenden a representar formas mediante el dibujo de la naturaleza o de las antigüedades clásicas, de ahí los numerosos viajes que realizaban a Roma.
A finales del siglo XIX, el arte académico, la forma artística oficial, fue objeto de críticas por parte de las numerosas escuelas que surgieron. Durante el Segundo Imperio, los artistas de vanguardia de la época lo apodaron irónicamente «arte pomperiano», en referencia a los relucientes cascos de los soldados pintados, que recordaban a los cascos de los bomberos; el término también denunciaba el carácter «pomposo» de las escenas representadas.
En aquella época, los académicos ilustraban el ideal clásico con una precisión asombrosa, casi fotográfica. Preferían las escenas históricas y orientalistas monumentales, donde los desnudos eran muy comunes, como el magnífico Nacimiento de Venus de Alexandre Cabanel.
En este libro encontrará obras de los más grandes pintores académicos de la segunda mitad del siglo XIX, como Alexandre Cabanel, Ernest Meissonier, William Bouguereau y Jean-Léon Gérôme.
DE LASZLO: A Brush with Grandeur
Sandra De Laszlo, 2020
Philip de László, tras un ascenso meteórico en su Hungría natal, se estableció en Gran Bretaña en 1907 y se convirtió en el retratista más importante del país, sucediendo a Sargent. Al casarse con una miembro de la familia Guinness, pintó a casi todas las familias reales europeas y a muchas otras personalidades destacadas. Este libro, cuya edición anterior acompañó la primera exposición retrospectiva de De László desde su muerte en 1937, ilustra una rica y representativa selección de su obra, procedente de diversas colecciones privadas, y, con la ayuda de impresionantes láminas a color, presenta de nuevo a este artista tan conocido pero poco estudiado a un público más amplio.
Sargent.
por Elaine Kilmurray y Richard Ormond
Este catálogo se acompañó de una importante exposición de la obra del artista, incluyendo sus murales, en la Tate Gallery, la National Gallery of Art de Washington y el Museo de Bellas Artes de Boston, entre 1998 y 1999. Esta fue la primera exposición retrospectiva a gran escala dedicada al artista desde sus exposiciones conmemorativas de 1925 y 1926.
Los tres ensayos, ilustrados con un total de 56 figuras en blanco y negro que incluyen fotografías contemporáneas, son «John Singer Sargent: Una reseña biográfica» y «El arte de Sargent», ambos de Richard Ormond, y «Sargent en público: Sobre los murales de Boston», de Mary Crawford Volk. Los murales, que ocuparon al artista durante 30 años, fueron fundamentales para su autoconcepción como artista e incluyeron la decoración de la Biblioteca Pública de Boston, el Museo de Bellas Artes y la Biblioteca Widener de Harvard, donde la colaboración entre artista y mecenas fue más estrecha.
El catálogo se divide en «Paisajes y temas tempranos», «París y el Salón», «Impresionismo», «Retrato en Inglaterra y América», «Los murales», «Sargent, el acuarelista» y «Paisajes, estudios de figura y la guerra en su etapa final». Ormond, sobrino nieto del artista, y Elaine Kilmurray, quien también colabora en los comentarios del catálogo, son los autores del catálogo razonado del artista. Este libro también incluye una cronología ilustrada, una bibliografía selecta y un índice. La exposición incluyó 153 obras presentadas en color junto con comentarios de gran prestigio.
Against the Modern: Dagnan-Bouveret and
the Transformation of the Academic Tradition
Pascal-Adolphe-Jean Dagnan-Bouveret (1852-1929) formó parte del grupo de los estudiantes más creativos de Jean Leon Gérôme, el principal pintor académico francés de su época. Pintor naturalista consolidado y artista reconocido mundialmente durante la segunda mitad del siglo XIX, Dagnan-Bouveret empleó temas y técnicas contemporáneos para modernizar la tradición académica, intentando adaptarse a los cambios estéticos iniciados por los impresionistas. Con una auténtica diversidad, creó composiciones fotográficamente precisas inspiradas en la vida cotidiana. Sus obras más conocidas fueron cautivadoras composiciones místico-religiosas. Los galardones recibidos en la Exposición Universal de París de 1900 y su ingreso en el Instituto Francés no solo consolidaron el prestigio de su obra, sino que también consolidaron su posición como defensor de la tradición académica en un momento en que esta se veía sometida a un renovado ataque por parte de los modernistas. La publicación de este libro (2002), coincidió con una exposición del Museo de Arte Dahesh.
Some Call It Kitsch, Masterpieces of Bourgeois Realism
Aleksa Celebonovic, Editorial Abrams, 1974.
Libro que examina la pintura académica del siglo XIX, a menudo calificada de "Kitsch" o mal gusto en algunos círculos interesados, contrariando su alta calidad técnica y valor histórico.
Es una obra relevante para quienes estudian la historia del arte, el academicismo y la evolución del gusto artístico.
Acompañando una importante retrospectiva de la obra de Anders Zorn, este es el primer volumen en inglés que explora en profundidad toda la carrera del impresionista sueco. Anders Zorn (1860-1920) es uno de los artistas más destacados y queridos de Suecia. Famoso por sus acuarelas ligeras y expresivas, dominó el género a temprana edad y posteriormente aplicó sus técnicas a la pintura al óleo. A menudo se compara a Zorn con los artistas John Singer Sargent y Joaquín Sorolla y Bastida, contemporáneos también conocidos por sus retratos de figuras de la alta sociedad. Tras establecerse en Londres y luego en París, Zorn se consolidó como retratista internacional, retratando a clientes de moda con un estilo a la vez elegante y relajado. Se convirtió en uno de los favoritos de los adinerados coleccionistas, banqueros e industriales estadounidenses que posaron para él, entre ellos la coleccionista de arte Isabella Stewart Gardner y tres presidentes de Estados Unidos. Aunque quizás sea más conocido por sus retratos, Zorn aportó la misma destreza a la pintura de escenas de género y vistas de la naturaleza. Este atractivo volumen ofrece una introducción exhaustiva al artista y sus obras, desde el retrato hasta el paisaje y sus famosos desnudos. Cuatro ensayos ilustrados se acompañan de una cronología, una bibliografía seleccionada, una lista de la exposición y un índice.
Women painters of the world, from the time of Caterina Vigri, 1413-1463, to Rosa Bonheur and the present day;. by: Sparrow, Walter Shaw, 1905.
Mujeres pintoras del mundo, desde la época de Caterina Vigri, 1413-1463, hasta Rosa Bonheur y la actualidad, reunida y editada por Walter Shaw Sparrow, es un libro que enumera una descripción general de las pintoras prominentes hasta 1905, año de publicación.
El propósito del libro era demostrar que estaba equivocada la afirmación de que "los logros de las mujeres pintoras han sido de segunda categoría". El libro incluye más de 300 imágenes de pinturas de más de 200 pintores, la mayoría de los cuales nacieron en el siglo XIX y ganaron medallas y premios en varias exposiciones internacionales. El libro es una obra de referencia útil para cualquiera que estudie el arte de las mujeres de finales del siglo XIX.
The Oil Painter's Color Handbook: A Contemporary Guide to Color Mixing, Pigments, Palettes, and Harmony
por Todd Casey
"En el Manual del Color del Pintor al Óleo, Todd Casey presenta información invaluable que toda escuela de arte debería enseñar y todo estudiante debería aprender. El libro desglosa el tema del color en conocimientos útiles que los pintores pueden poner en práctica. Analiza el color en términos de luz, valor, pigmento, estrategias de mezcla, disposición de la paleta y técnicas de pintura. Cada tema se explica de forma clara y concisa en el texto, ilustrado con pies de foto, gráficos, diagramas y pinturas terminadas. Al final del libro, el lector comprenderá claramente cómo los pintores e ilustradores realistas han utilizado el color a lo largo de la historia." - James Gurney, artista y autor
Transcending vision: R.H. Ives Gammell, 1893-1981
Gerald Ackerman - Elizabeth Ives Hunter
El Museo de Arte Maryhill presento "Transcending Vision", una importante exposición retrospectiva itinerante de la obra del pintor realista estadounidense R. H. Ives Gammell, del 12 de mayo al 15 de noviembre de 2001. Organizada por el R.H. Ives Gammell Studios Trust y el Museo de Arte Maryhill, la exposición refleja el resurgimiento del realismo clásico en el arte estadounidense.
La exposición represento el primer gran esfuerzo por reunir la obra de Gammell, desde sus primeros retratos hasta sus grandes lienzos alegóricos. Dicha muestra incluyo la serie "El Sabueso del Cielo", una secuencia alegórica de 23 paneles basada en el popular poema homónimo de Francis Thompson, así como otras 56 pinturas, dibujos y grabados procedentes de otros museos y colecciones privadas.
Léon Bonnat (1833-1922): La beauté et le pouvoir
En el marco de las celebraciones del centenario de la muerte del artista bayonés Léon Bonnat (1833-1922) en 2022, el Museo Bonnat-Helleu y el Museo Vasco y de Historia de Bayona unen fuerzas para organizar una exposición monográfica dedicada a Bonnat. Este evento, presentado entre julio de 2022 y finales de diciembre de 2022 en el Museo Vasco y de Historia de Bayona, reunió alrededor de 80 pinturas y dibujos del artista procedentes de colecciones públicas y privadas francesas, casi la mitad de las cuales se conservan en el Museo Bonnat-Helleu. La exposición se presentó en formato cronológico y temático, permitiendo al visitante descubrir la riqueza y diversidad de la producción artística de Léon Bonnat a lo largo de su carrera y en los diferentes géneros que exploró, así como el legado de su enseñanza a través de una selección de las obras de sus alumnos. La exposición estuvo comisariada por Sabine Cazenave, conservadora jefe de patrimonio y directora del Museo Vasco y de Historia de Bayona, y Benjamin Couilleaux, conservador jefe de patrimonio y director del Museo Bonnat-Helleu.
Cast Drawing in Sight-Size: An Atelier Manual
Daniel Rousar, 2022.
Dibujo de Moldes de yeso a Sight-Size (tamaño natural) es tu manual de taller para dibujar moldes de yeso a tamaño natural.
Esto aplica independientemente de dónde asistas a un taller, e incluso si no. En otras palabras, es para todos aquellos que comienzan su aprendizaje de cómo ver con precisión y dibujar lo que ven. Y va más allá. Vale la pena repasar los conceptos que se enseñan en él, independientemente de la etapa de tus estudios.
¿Qué es Tamaño Natural?
Tamaño Natural es una disposición del artista, su tema y su obra que permite al artista ver el tema y la obra visualmente de forma individual.
¿Por qué es tan efectivo aprender a dibujar con Tamaño Natural?
Esta pregunta se responde mejor explicando brevemente una de las alternativas, conocida como Medición Comparativa o Dibujo Proporcional. Independientemente del término elegido, el proceso se centra en ajustar la escala de la obra a la fuente. En otras palabras, dibujas lo que ves, ya sea más grande o más pequeño de lo que realmente lo ves. Escalar, si bien es una habilidad importante, requiere no solo lograr una forma precisa, sino también ampliarla o reducirla simultáneamente. Por ello, escalar complica innecesariamente el proceso de aprender a ver.
Por el contrario, el método Sight-Size facilita la visión precisa, ya que el dibujo debe realizarse en el mismo tamaño que el original. No es necesario escalar visualmente. Una vez entrenado el ojo, si desea dibujar proporcionalmente, escalar su visión precisa se vuelve sencillo.
Sight-Size es el único enfoque de dibujo que prioriza la visión objetiva y precisa. Aprenderá a ver, y de eso se trata principalmente el método Sight-Size.
Autor, Allan R. Banks, pintor realista contemporáneo, alumno de Ives Gammell
La Academia Julian fue fundamental en la Francia del siglo XIX para abrir la formación artística a todos. Se establecieron clases para mujeres y la escuela de arte ayudó a preparar a las alumnas para los exámenes y el ingreso a la Escuela de Bellas Artes, con el objetivo final de obtener el codiciado Premio de Roma, que implicaba un viaje con todos los gastos a Italia para estudiar durante varios años. La Academia también fue un trampolín hacia el Salón de París y el reconocimiento mundial si se aceptaba. El libro describe a los instructores que ayudaron a dar forma a las clases de Rodolphe Julian, su fundador.
El dibujo clásico está volviendo a la palestra. La Art Students League de Nueva York presenta una celebración única y perfecta de este resurgimiento: una galería de dibujos inéditos de los siglos XIX y XX y valiosas reflexiones sobre el dibujo figurativo de la Liga junto con los profesores, con obras ejemplares de ellos y de sus alumnos seleccionados.
Tras años de elaboración, este volumen elegante y de gran alcance ha ayudado a establecer la pasión cada vez mayor por el impresionismo estadounidense y sigue siendo la fuente de información más valiosa sobre el tema. Calificado como "el mejor libro jamás escrito sobre el tema. Incluye reproducciones de todas las obras maestras.
En 1946, en el punto álgido de la rebelión de los "modernistas" contra los pintores tradicionales y la pintura de una era anterior y más disciplinada, R.H. Ives Gammell publicó su Crepúsculo de la pintura: una defensa reflexiva y enérgica de la tradición establecida junto con un ataque directo a lo que él consideraba las "manchas de pintura aplicadas torpemente" que, según él, caracterizaban a la escuela emergente.
Gran parte de la culpa del estado actual, según Gammell, recae en los críticos que han "interpretado" estas nuevas pinturas para un público crédulo. Como señala en su capítulo introductorio, "la literatura dedicada a la pintura moderna ha emanado casi en su totalidad de personas que nunca han pintado en absoluto o cuyos intentos de pintar sólo sirvieron para revelar su incapacidad para dominar las técnicas tradicionales del arte". En cuanto a las pinturas en sí, cree que "la importancia última de la pintura moderna en la historia del arte se verá en el hecho de que desacreditó y prácticamente destruyó las grandes tradiciones técnicas de la pintura europea, laboriosamente construidas a lo largo de los siglos por una larga sucesión de hombres de genio. La pérdida de estas tradiciones ha privado a nuestros pintores potenciales de su herencia legítima sin la cual les será imposible dar rienda suelta a los talentos que puedan poseer".
Ahora, casi cincuenta años después, la validez de sus preocupaciones y la fuerza de su tesis son compartidas más ampliamente. Parece apropiado, por lo tanto, reeditar esta crítica para el beneficio de una nueva generación de artistas, espectadores y críticos, ya que la dirección del arte posmoderno estará determinada por sus respuestas a las preguntas planteadas en esta perspicaz argumentación.
Segunda edición de Parnasus Imprints, 1990
"Mira a tu alrededor y elige un tema que puedas ver pintado. Eso se pintará solo. Haz lo obvio antes de hacer lo sobrehumano.
Puede que haya sido accidental, pero sabías lo suficiente como para dejarlo pasar. El buen pintor siempre se aprovecha de los accidentes.
Nunca intentes repetir un éxito.
Utiliza un pincel más grande: no sabes la diversión que te estás perdiendo."
Durante 31 años, Charles Hawthorne habló de esta manera a los estudiantes de su famosa Escuela de Arte de Cape Cod. La esencia de esa instrucción se ha recopilado de las notas de los estudiantes y se ha plasmado en este libro, conservando el sentimiento personal y la sensación de inspiración en el lugar de la clase original. Aunque Hawthorne se dirige a problemas específicos en pinturas específicas, sus comentarios son tan reveladores que se aplicarán cien veces a tu propio trabajo.
El libro está dividido en secciones sobre el modelo al aire libre, la naturaleza muerta, el paisaje, el modelo de interior y la acuarela. Cada sección comienza con un ensayo conciso y continúa con comentarios sobre elementos básicos: carácter general, color, forma, visión, postura, etc. Es en el tema del color donde los estudiantes se sentirán especialmente en presencia de un guía y crítico maestro. La capacidad de Hawthorne para ver el color y, más importante aún, para hacer que el estudiante lo vea, es una lección que ayudará a los estudiantes de pintura y a cualquier otra persona interesada en cualquier fase del arte.
Aunque no pretende ser un curso completo o muy ordenado, este libro tiene mucho que ofrecer. También representa la visión artística de uno de los mejores pintores-profesores del siglo XX.
Artista durante más de 70 años y profesor durante más de 60, el pintor Henry Hensche (1901-1992) empleó la tradición impresionista de Monet de ver y pintar el color bajo la influencia de la luz, y enseñó a sus alumnos a "ver la luz, no el objeto". En este libro, su alumno y biógrafo John Robichaux examina la filosofía y la metodología pictóricas básicas del artista, tal como las expuso en sus famosas clases y talleres en Cape Cod.
Artista prolífico y profesor inspirador, Hensche tocó innumerables vidas al desafiar a los alumnos a comprender cómo podían mejorar sus pinturas teniendo una visión particular del color, ya sea en una naturaleza muerta, un paisaje o una pintura de figuras. Uno de sus muchos alumnos, Robert Longley, afirma que Hensche "nos mostró que no había atajos para el gran arte. Sus enseñanzas específicas sobre el color y la luz son herramientas útiles en la creación de arte, pero lo más importante fue la incansable búsqueda de la belleza de Henry".
Repleto de consejos prácticos tanto para aficionados como para profesionales, Hensche on Painting pretende ayudar a desarrollar aún más el sentido visual de la naturaleza por parte de los artistas.
Esta monografía abarca toda la vida y obra de Jean-Leon Gerome y se compone de dos partes: una apreciación biográfica y un catálogo de sus pinturas, grabados y esculturas. El estudio de la vida del artista se basa en tres monografías antiguas, la lectura de la prensa contemporánea y los recuerdos de estudiantes y amigos. Este catálogo es el resultado de 25 años de investigación. Aproximadamente 700 pinturas y 70 esculturas se han inventariado a través de archivos, documentos estatales antiguos, catálogos y correspondencia con coleccionistas.
El Curso de Dibujo Bargue-Gérôme es la reedición completa de un famoso curso de dibujo de finales del siglo XIX. Se compone de un conjunto de casi doscientas litografías magistrales, todos temas destinados a ser copiados por estudiantes de arte antes de abordar el dibujo al natural. Se trata de una obra que, por tanto, interesará a artistas, estudiantes de arte e historiadores del arte, pero también a aficionados al dibujo y coleccionistas. El lector también descubrirá la obra y la vida de un maestro hasta ahora olvidado: Charles Bargue. El Curso de Dibujo se divide en tres secciones. El primero reúne placas extraídas de moldes, generalmente elaborados a partir de ejemplos de estatuaria antigua. Se estudian las diferentes partes del cuerpo en orden de dificultad creciente antes de abordar las figuras completas. La segunda sección rinde homenaje a la escuela de pintura occidental, con litografías realizadas a partir de dibujos ejemplares del Renacimiento y de maestros modernos. La tercera parte incluye cerca de sesenta academias o dibujos de desnudos masculinos, todas creaciones originales del litógrafo Bargue. El estudiante aborda de manera razonada las dificultades encontradas en la observación y descripción cuidadosa de la naturaleza. Los artistas experimentados identificarán a primera vista los problemas de representación que aborda Bargue y apreciarán las soluciones que propone. Los pintores figurativos copiarán las láminas para practicar, un poco como los pianistas practican los ejercicios de Czerny antes de tocar Beethoven. Los estudiantes de Bellas Artes encontrarán en él una introducción práctica y progresiva al dibujo figurativo realista. Los historiadores del arte podrán aprender de estos dibujos lo que a finales del siglo XIX apreciaban en la composición de figuras. Reconocerán en la primera parte el crédito que se dio a la tradición a través de los modelos de la estatuaria antigua: si apelamos aquí a la Antigüedad, no es para imponer un estilo clásico sino para contribuir a la observación precisa e inteligente de la estructura del cuerpo humano. El resultado es una convergencia de clasicismo y realismo. Las técnicas y diagramas propuestos se desarrollan todos a partir del tema considerado y su ejecución, sin gráficos digitales proporcionales ni cuadros de perspectiva ni diagramas geométricos que memorizar. Estos magníficos dibujos no son simplemente el resultado de una diligencia, sino también de una observación concienzuda y del deseo de transcribir y comunicar las bellezas de la naturaleza, la luz y los múltiples aspectos del cuerpo humano. Son objetivos que no dejarán indiferente ni al observador del dibujo ni a las artes figurativas. Charles Bargue comenzó su carrera como litógrafo, reproduciendo para un público popular dibujos humorísticos, sentimentales o eróticos creados por violadores necesitados. Trabajando con Gérôme y preparando las láminas para el curso, se transformó en un pintor espectacular, privilegiando los retratos individuales y las escenas íntimas, en un maestro del precioso detalle que permanece siempre en observación sin caer nunca en un virtuosismo afectado, d 'una paleta unificadora la composición con exquisitas armonías tonales. La última parte de esta obra es una biografía de Bargue, completada por un catálogo preliminar de su obra pintada, ilustrado por reproducciones de todo lo que se pudo encontrar e incluso un gran número de pinturas perdidas.
El brillante artista húngaro Philip Alexius de László (1869-1937) fue el sucesor (en 1907) del estudio de retratos de Sargent en Londres. En 1933, de László demostró su elegante técnica en una serie de fotografías, mientras respondía a las preguntas planteadas por el escritor A.L. Baldry. Las fotos y el texto fueron publicados en 1934 por The Studio Publications de Londres, en el sexto volumen de su serie "Cómo hacerlo".
El único artista capz de desafiar a Sargent en sus propios términos, el húngaro Philip de László, no llegó a Londres hasta 1907, el mismo año en que Sargent se retiró oficialmente como retratista. La cuestión de la sucesión se resolvió sin esfuerzo. De László asumió el manto de Sargent como pintor favorito de la sociedad sin que nunca hubiera habido una batalla por el puesto. De László se había formado en Múnich y París, y aportó una suavidad cosmopolita al realismo de Franz von Lenbach y Mihaly Munkacsy. Las cualidades de garbo y brillantez pictórica que los mecenas buscaban en Sargent las encontraron en la obra de su sucesor. Ambos retrataban a personajes de la alta sociedad y, en varios casos, a los mismos personajes. El retrato de De László de la duquesa de Portland a los cincuenta años capta la misma aura de belleza y alta educación que el retrato de Sargent a los cuarenta había captado una década antes. El retrato de De László del estadista George Curzon con su toga de rector de la Universidad de Oxford precede al retrato de Sargent del mismo modelo con toga de jarretera por un año. Ambos cuadros captan la mezcla de gran inteligencia, fuerza de voluntad y vanidad que hicieron de Curzon una de las figuras más formidables de la época. Otros modelos de Sargent retratados por De László incluyen a A.J. Balfour, el conde de Cromer, Randall Davidson (arzobispo de Canterbury), el duque de Portland, el mariscal de campo Lord Roberts, Theodore Roosevelt, Sir Philip Sassoon y el conde de Wemyss.
La práctica y la ciencia del dibujo de Harold Speed. Clásico literario mundial, entre las 100 mejores novelas literarias de todos los tiempos. Una lectura obligada para todo el mundo. En los años 80, Italo Calvino (el escritor italiano contemporáneo más traducido en el momento de su muerte) dijo en su ensayo "¿Por qué leer los clásicos?" que "un clásico es un libro que nunca ha terminado de decir lo que tiene que decir", sin duda este libro puede considerarse un Clásico. Este libro es también un Bestseller porque como definió Steinberg: "un bestseller es un libro cuya demanda, en un corto período de tiempo desde la publicación inicial de ese libro, excede ampliamente lo que entonces se considera como grandes ventas". Esta descripción puede ser de otra edición de este producto.
"En cualquier exposición de trabajos de aficionados... no es en absoluto inusual encontrar muchos dibujos encantadores en acuarela, pero... es muy raro que el trabajo al óleo sea algo más que aburrido, muerto y carente de todo vitalidad y encanto." -- Harold Speed
Estas afirmaciones provocadoras son características de esta guía estimulante e informativa, escrita en un estilo muy personal y único por un pintor y profesor destacado. Rebosante de conocimientos pertinentes sobre los aspectos técnicos y la pintura al óleo, también está diseñada para ayudar a los estudiantes a perfeccionar sus poderes de observación y expresión.
Harold Speed ha condensado años de experiencia pictórica y pedagógica en un programa instructivo experto que abarca la técnica de la pintura, la pintura del natural, los materiales (pinturas, barnices, óleos y medios, fondos, etc.), la formación del pintor y más. Especialmente instructivo es su extenso y perspicaz análisis de la forma, el tono y el color, y una fascinante serie de "Notas" detalladas que analizan los estilos pictóricos de Velázquez, Reynolds, Gainsborough, Franz Hals y Rembrandt.
Casi 70 fotografías y dibujos ilustran el texto, entre ellos pinturas rupestres prehistóricas, diagramas de valores tonales, etapas de la pintura de retratos y reproducciones de obras maestras de Giotto, Vermeer, Ingres, Rembrandt, Tiziano, Reynolds, Gainsborough, Hals, Giorgione, Poussin, Corot, Veronés y otras luminarias. Además de estos placeres pictóricos, el autor adereza aún más las lecciones con opiniones que invitan a la reflexión.
Claro, coherente y realista, este manual consagrado por el tiempo interesará especialmente a los aficionados serios que estudien los aspectos técnicos de la pintura al óleo, pero su rica visión de la mente y los métodos del artista iluminará e intrigará a cualquier amante del arte.
La técnica de la pintura de retratos: una guía completa y detallada sobre el manejo, la composición y la iluminación de retratos al óleo, con un estudio exhaustivo de los métodos de los pintores de retratos de hoy y del pasado. Londres: publicado por Seeley Service & Co. Limited, n.d. [ca. 1933].
Dennis Miller Bunker es considerado uno de los más grandes pintores estadounidenses. Murió trágicamente joven, a los 29 años, en 1890. Estudió con Jean Léon Gérôme en la Escuela de Bellas Artes de París, fue uno de los primeros «impresionistas estadounidenses» y pintó con John Singer Sargent. Gammell hace una de las mejores descripciones de las características y objetivos de la pintura impresionista en esta obra.
Escrito por un famoso pintor y profesor estadounidense, cuyos paisajes se encuentran en muchos de los museos más famosos del mundo, este libro es conocido como una de las guías más útiles para los estudiantes de arte. Proporciona una gran cantidad de consejos sobre la elección del tema; dice qué buscar y a qué apuntar, y explica los misterios del color, las condiciones atmosféricas y otros fenómenos que se encuentran en la naturaleza.
Gracias a su profundo conocimiento de la naturaleza física de los paisajes y a su desarrollado sentido artístico, John Carlson es capaz de explicar tanto los porqués como los cómos de los diversos aspectos de la pintura de paisajes. Entre los temas tratados se encuentran los ángulos y los valores consecuentes (un concepto perspicaz necesario para una sólida unidad general del diseño), la perspectiva aérea y lineal, la pintura de árboles, las propiedades emocionales de la línea y la masa en la composición, la luz, la unidad de tono, la elección del tema y el trabajo de la memoria. En los primeros capítulos, el autor explica cómo sacar el máximo partido al lienzo, la paleta, los colores, los pinceles y otros materiales, y ofrece valiosos consejos sobre texturas, veladuras, barnices, blanqueados, retoques y enmarcados. En las páginas que acompañan al texto se muestran treinta y cuatro reproducciones de la obra del propio Carlson y cincuenta y ocho de sus diagramas explicativos.
Como dice Howard Simon en la introducción: "En sus páginas se encuentran apiñados los pensamientos y experiencias de toda una vida de pintura y enseñanza. Sin duda, es un buen libro para principiantes, pero los veteranos en el arte apreciarán su honestidad y amplitud de puntos de vista. Se limita a la mecánica de la pintura de paisajes, pero, filosóficamente, vaga por todas partes... Es un libro para conservar, leer con tranquilidad y buscar la solución de los problemas a medida que surgen, cuando se siente la necesidad de una mano experimentada".
Al escuchar a los jueces en la mayoría de los concursos de pintura o eventos con jueces, los dos puntos principales que se mencionan suelen ser la composición general de la obra y su estructura de valores.
La composición y la capacidad de estructurar su trabajo sobre una superficie plana requieren tiempo y práctica para aprender y comprender. Hay muchos libros buenos en el mercado hoy en día que pueden ayudarlo a desarrollar sus habilidades de composición de pintura. Este es uno que me recomendaron hace varios años. Composition of Outdoor Painting, se imprimió por primera vez en 1941.
Edgar Payne escribe en sus Notas sobre la segunda edición (1957):
“… Composition of Outdoor Painting no se presentó como un tratado de arte, sino más bien como un manual breve y conciso sobre los aspectos esenciales de la pintura al aire libre para el estudiante práctico”.
El metódico proceso de pintura de Meldrum, que consiste en: "Aproximación", "Inicio", "Progreso" y "Finalización" de la obra de arte, fue desarrollado para que todos los artistas pudieran tener un enfoque definitivo y formal del proceso de "pincel sobre lienzo". Esto se presenta en palabras, diagramas e imágenes fáciles de seguir intercalados con "Notas de lecciones" concisas, en su exclusivo libro instructivo que revela los secretos de la "pintura tonal".
Richard Schmid revela sus virtuosas técnicas de pintura al óleo mientras aplica su pincel al paisaje en este volumen complementario de Richard Schmid Paints the Figure. Schmid captura la esencia de un paisaje con una expresividad y espontaneidad totalmente propias, traduciendo sus métodos en una instrucción profesional avanzada para el pintor. Primero se analizan los materiales y herramientas básicos necesarios para la pintura de paisajes: pinceles, espátulas, fondos, pinturas, barnices, medios, así como sugerencias para equipos especiales para exteriores. A continuación, en un capítulo sobre elementos y técnicas del paisaje, el autor ofrece información valiosa sobre el color, la composición, los bordes, los valores, las ayudas ópticas, la perspectiva, la luz exterior, los fenómenos locales y el tema. Luego, en una serie de ocho demostraciones paso a paso completamente ilustradas, el autor muestra cómo utilizar el block-in estándar, impresionista, opaco y transparente; cómo manejar un valor completo y una aguada monocromática simple; cómo crear una pintura directa; y, finalmente, cómo reproducir un block-in transparente a todo color. El libro concluye con una galería de los paisajes más impresionantes de Schmid, ilustrando las técnicas explicadas en las demostraciones y acompañadas de una descripción detallada de cómo se completó cada imagen.
Richard Schmid nació en Chicago, Illinois, en 1934. A lo largo de su distinguida carrera como pintor y profesor, Schmid ha sido un portavoz sincero de lo que se conoce como el Grand Manner, una cierta mezcla de virtuosismo y alegría desenfrenada en el arte. Desde 1958 ha ganado todos los premios de arte más importantes de los Estados Unidos, incluida la prestigiosa medalla de oro de la acuarela estadounidense. En 1987 fue honrado con el premio National Arts for the Parks de 100.000 dólares por su pintura al óleo "Rocky Mountain National Park-Mountain Stream". El 3 de junio de 2000, Schmid recibió la medalla John Singer Sargent por los logros de toda una vida de la Fundación de la Sociedad Estadounidense de Artistas del Retrato. El premio fue entregado por Richard Ormand, sobrino nieto de Sargent, durante una ceremonia especial de premios en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. En 1998 completó su tercer libro, Alla Prima-Everything I Know About Painting, publicado por Stove Prairie Press, LLC, que se centra principalmente en la pintura del natural. Schmid se basa en su formación clásica para revelar el conocimiento y las habilidades implicadas en la pintura directa (también conocida como AllA Prima, o pintura de una sola sesión). Quince años de preparación, su libro ofrece al artista y al amante del arte por igual la sabiduría y el conocimiento de toda una vida de pintura. Las tres primeras impresiones de Alla Prima se han vendido a pintores de 34 países de todo el mundo, así como a artistas, museos, bibliotecas y coleccionistas de arte de los Estados Unidos.
Gruppé On Painting: Direct Techniques In Oil de Emile A. Gruppé Tapa blanda Este aclamado libro, publicado originalmente en 1977, ha sido reimpreso en una cantidad limitada y cuenta con 168 páginas, 139 ilustraciones en blanco y negro y 29 láminas a todo color. "¡Vibrante, fresco, inmediato! La técnica de pintura al óleo directa es una reacción intensa a la naturaleza, una carrera contra el tiempo para capturar el color, la luz y la sombra, el diseño y el espíritu de un tema en unas pocas horas. Y ahora, Emile Gruppe, maestro de la técnica de pintura al óleo directa, muestra cómo se pueden utilizar los trazos amplios y los colores vivos de este enfoque espontáneo para infundir vitalidad, vigor y frescura en el momento a sus propias pinturas".
Primeros planos de sutiles detalles de pinceladas y reproducciones de pinturas completas ilustran un examen de las cualidades expresivas de diferentes pinceladas y técnicas para representar objetos como rocas, agua, nieve, cielos y árboles.
Introducción de Jacques Thuillier; acompañó una exposición de 1984 del mismo nombre; incluye secciones sobre el plan de estudios de la Escuela de Bellas Artes, así como sus concursos Prix de Rome; 133 obras presentadas con anotaciones.
Ofrece una visión aguda y esclarecedora del arte, la carrera y la vida familiar de este gran artista cuyas hermosas pinturas de un tiempo y lugar mejores y más puros continúan encontrando el favor de los espectadores contemporáneos.
"Reprimido durante algunas décadas, el gusto por la pintura del Salón, el de antes de 1914, reaparece, recuperado por los excesos, las payasadas y los absurdos de la vanguardia informal, gestual, miserabilista, neodadaísta... Desconcertados, disgustados, pequeños y grandes aficionados han trasladado, por un fenómeno boomerang, su interés a la pintura descriptiva y al trabajo "bien hecho", que es adornado con el prestigio añadido de una época que, con el paso de los años, adquiere el encanto nostálgico de un paraíso perdido. Hasta tal punto que ya no podemos reírnos de estos artistas que a menudo combinaban el amor por su oficio con una conciencia profesional que hoy se desdeña. Y la sonrisa que provocan está teñida de arrepentimiento."
J. P. Crespelle
Sir Lawrence Alma-Tadema fue uno de los artistas más populares de la época victoriana. Muchas de sus suntuosas obras se presentan en esta monografía completa, que ofrece una oportunidad única de saborear la complejidad de los detalles, la riqueza del color y el notable virtuosismo técnico de este extraordinario pintor.
"Meissonier ocupó la vanguardia del panorama artístico durante casi medio siglo, fue el pintor más caro de su época. Excluido al ostracismo por el crítico moderno, acumula prejuicios, falsedades o verdades a medias sobre su nombre. Sin embargo, sigue siendo un fenómeno esencial para la historia de la pintura francesa del siglo XIX.
Un siglo, casi exactamente, después de la última retrospectiva que se le dedicó, parece justificado restablecer, de manera desapasionada y directa, una opinión sobre esta obra, en su diversidad, sus indiscutibles cualidades, sus límites y también sobre Meditar útilmente sobre la "incertidumbre de los juicios".
Edouard Detaille representa por sí solo la pintura militar de su época, la de los primeros cuarenta años de la Tercera República. Es testigo a través del pincel de las miserias y la grandeza de sus compañeros de armas de 1870. Su inmenso talento está al servicio del culto al soldado francés, dominado por la figura heroica del emperador Napoleón. Este libro presenta un panorama muy amplio de un siglo de gloria militar visto por el pintor. Numerosas obras inéditas ilustran la diversidad de su inspiración. Gran artista, hombre de mundo, fundador del Museo del Ejército, el hombre Detaille se cuenta aquí con pasión y erudición. Se hace justicia a su obra, que ocupa su verdadero lugar en la historia del arte francés.
Carolus-Duran (1837-1917), pintor de nombre exótico y sonoro, es famoso sobre todo por sus célebres retratos de sociedad de mujeres y niños elegantes. Tiene la libertad del autodidacta, formándose sobre todo en museos, en contacto con los maestros. Apoyado por el crítico de arte Zacharie Astruc, admirador del realismo de Courbet pero también del poder evocador de Velázquez, Carolus-Duran se unió a la Nueva Pintura junto a los futuros impresionistas Monet y Manet, contándose entre sus mejores amigos, además de Fantin. -Latour, Henner, Whistler, Legros, Falguière, Meissonier y Puvis de Chavannes. El catálogo reúne ochenta pinturas y dos esculturas, obras maestras conocidas o inéditas, que evocan la brillante y fértil carrera de Carolus-Duran. Nos permite redescubrir el talento virtuoso y colorido, la autenticidad profunda y viva de uno de los artistas más talentosos de su tiempo, encerrado en el papel de retratista de sociedad mientras los estudios y los paisajes revelan una nueva sensibilidad y vitalidad que hacen de su obra “una magnífica sensación de arte”.
Catálogo de la retrospectiva Carolus-Duran, 1837-1917
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Este instructivo volumen presenta no sólo las técnicas de la pintura al óleo, sino también los principios subyacentes del dibujo de figuras. Escrito por un distinguido pintor, retratista e ilustrador de libros prerrafaelita, el libro comienza explicando la construcción de la figura, la cabeza y las extremidades. Los capítulos siguientes ilustran estas enseñanzas con ejemplos de imágenes de los viejos maestros, incluidas pinturas de las escuelas italiana, holandesa, española, francesa y británica.
El Birmingham Daily Post calificó este volumen como "probablemente el manual más útil para estudiantes de arte que se haya publicado hasta ahora". Los estudiantes de todos los niveles de experiencia se beneficiarán de sus discursos sobre la luz y la sombra, el estudio monocromo, la naturaleza muerta en color, la pintura del natural en monocromo, el coloreado de un monocromo y la pintura en color directamente del natural. Treinta y dos páginas a todo color complementan esta nueva edición de una guía atemporal.
Este clásico manual, un recurso ampliamente citado sobre la pintura al estilo de los viejos maestros, contiene una gran cantidad de información para artistas aficionados y profesionales. Daniel Burleigh Parkhurst, uno de los artistas e instructores más destacados de principios del siglo XX, presenta un curso de maestría sobre la ciencia y la técnica de la pintura que fomenta el uso de herramientas y métodos tradicionales.
El tratamiento en cuatro partes de Parkhurst abarca materiales, principios generales, principios técnicos y aplicaciones prácticas. Los temas incluyen lienzos, caballetes, pinceles, pinturas y otras herramientas; actitud y originalidad; dibujo, perspectiva, luz y sombra, composición y color; y bocetos, naturaleza muerta, flores, retratos, paisajes y figuras. 64 ilustraciones enriquecen este manual informativo.
Estudio biográfico y crítico de la vida y obra del insigne pintor valenciano Joaquín Sorolla y Bastida.
En 1909 se celebró en la sede de la Hispanic Society de Nueva York una exposición de Joaquín Sorolla que atrajo a 170.000 visitantes vendió 150 obras y 20.000 catálogos de la muestra. Con este motivo se publicaron dos tomos con ensayos de algunas de las más reputadas firmas de la época y todo el material gráfico y hemerográfico relacionado con la muestra.
Sorolla (Enciclopedia del arte), García Sánchez, Laura, Editorial: TIKAL EDICIONES, 2010
Esta colección realiza un recorrido exhaustivo y totalmente ilustrado a través de los grandes creadores de todos los tiempos y los testimonios artísticos que han dejado las principales culturas, en un papel de gran calidad y un formato manejable. Este volumen está dedicado a Sorolla.
Cuando John Singer Sargent cumplió treinta años en 1886, ya gozaba de una reputación internacional en el mundo del arte, creando una serie de obras para exposición que la gente esperaba con impaciencia y sobre las que se debatía en profundidad. Henry, James señaló que el talento de Sargent ofrecía "el espectáculo ligeramente 'extraño'" de un artista en el umbral de su carrera que, de hecho, no tenía nada más que aprender. Este libro explora cómo el joven pintor estadounidense en poco más de una década saltó del aprendizaje a la gran aclamación, cómo se presentó a sí mismo y a sus obras, y cómo trató de moldear la percepción pública de su talento. El libro incluye ilustraciones de todos los cuadros que Sargent expuso en París, Londres y Nueva York hasta 1887. Basándose en la correspondencia del artista, sus amigos y su familia, así como en una extensa revisión de las respuestas de la crítica contemporánea, el texto examina estas obras de la temprana madurez de Sargent, algunas inéditas en este siglo y otras entre sus obras más conocidas, como Smoke of Ambergris y Madame X. Los autores sostienen que los lienzos presentan una visión nueva de las aspiraciones y ambiciones de Sargent, representando un autorretrato metafórico del artista cuando era joven. Las primeras pinturas, su relación entre sí y su recepción también arrojan luz sobre el complejo y cosmopolita mundo del arte en el que vivió Sargent.
Jean-Paul Laurens (Fourquevaux, 28 de marzo de 1838 – París, 23 de marzo de 1921), pintor, escultor e ilustrador francés. Fue uno de los últimos exponentes del estilo Academicismo francés y de la pintura histórica. Sus trabajos por lo general eran basados en hechos históricos y religiosos, por los cuales quería expresar su anticlericalismo y su oposición a la monarquía. Profesor por más de tres décadas en la Academia Julian, fue mentor de varios pintores venezolanos, entre los más ilustres encontramos a Arturo Michelena, Cristóbal Rojas, Emilio Boggio y Tito Salas.
Lecciones de arte: complemento a la obra gráfica de Alphonse Mucha, publicado en 1975 como complemento de un libro anterior escrito por el hijo de Mucha, Jiří, y Marina Henderson.
Alphonse Mucha expone sus ideas filosóficas y prácticas sobre el arte y cómo hacerlo bien. En la primera página, define el arte, la belleza y al artista:
"El objetivo del arte es glorificar la belleza. ¿Y qué es la belleza? La belleza es la proyección de armonías morales en los planos material y físico. En el plano moral, la belleza se dirige a la evolución del espíritu, y en el plano material, se dirige al refinamiento de los sentidos a través de cuyo medio llega al alma."
Una mirada integral a las obras y la carrera de Howard Pyle. Abarca su trayectoria artística desde la infancia y su influencia continuada después de su muerte. Incluye una generosa colección de piezas, desde grabados en blanco y negro hasta pinturas a todo color. Contiene muchas ideas excelentes proporcionadas por anécdotas tanto de Pyle como de sus famosos estudiantes. Una bibliografía sorprendente enumera el trabajo de Pyle para varias publicaciones.
Vermeer (primera edición), del pintor bostoniano Philip Hale, influenciado por Monet, fue escrito en consulta con William Paxton, ambos pintores fuertemente influenciados por el pensamiento de los hombres de la Escuela de Boston. El libro ayuda a entender el pensamiento "holístico" que se volvió más común después de Monet, pero que ya era evidente en Vermeer.
En 1923, el escultor y pintor canadiense Michel Jacobs (1877-1958) escribió El arte del color, un libro en el que exponía algunas teorías bastante individualistas sobre la armonía del color. Mientras estudiaba artes decorativas en París y Nueva York, Jacobs se dio cuenta de que, aunque los estudiantes de arte aprenden primero a dibujar y luego a aplicar el color, para él lo contrario parecía más sensato.
Faragasso, exdirector de la Escuela de Arte Reilly e instructor de la Art Students League, ofrece un tratamiento completo de las técnicas de Reilly en términos claros y coherentes. Su exposición de los principios de la pintura y el color se aplica a todos los temas (incluidos retratos, figuras y naturalezas muertas) y en cualquier condición de iluminación. Cualquiera que desee pintar de manera eficaz de manera tradicional se beneficiará de este volumen, incluidos principiantes serios, estudiantes de nivel intermedio a avanzado y profesores de arte y pintura.
William McGregor Paxton and Elizabeth Okie Paxton. An artistic parnership. Catálogo de la exhibición. Itinerario: Dixon Gallery and Gardens The Butler Institute of American Art Memphis, Tennessee Youngstown, Ohio April 28 - July 14, 2019 August 18 - November 10, 2019
Edmund Charles Tarbell (1862-1938) fue un pintor importante de su época, muy influyente como profesor en Boston y líder de la vanguardia. Este elegante volumen presenta las mejores obras de Tarbell en el contexto de un texto biográfico repleto de citas fascinantes de los contemporáneos del artista.
Los pintores de Boston que aparecen en este álbum, producido con gran habilidad, dieron la espalda al modernismo y valoraron un culto a la belleza basado en una artesanía exigente y la observación directa de la naturaleza. Entre los pintores más destacados figuraron Joseph De Camp, que afirmaba que Whistler nunca dominó el claroscuro; el impresionista William Paxton; Edmund Tarbell, cronista de las actividades de la clase ociosa y los paisajes de Nueva Inglaterra; Frederic Vinton, que fue a Madrid a copiar óleos de Velázquez; y Frank Benson, conocido por sus paisajes al aire libre. Casi olvidados hoy en día, los artistas de la Escuela de Boston merecen un destino mejor, sostiene Gammell, él mismo pintor de alegorías, así como antiguo amigo y colega de estos artistas.
